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Villa-Lobos: Uma Jornada Sonora pela Cultura brasileira.

Prepare-se para uma viagem fascinante pela vida e obra de Heitor Villa-Lobos, o maestro que revolucionou a paisagem sonora brasileira e a levou ao palco mundial. Villa-Lobos, mais do que um simples compositor, foi um verdadeiro alquimista sonoro. Ele conseguiu fundir a rica música popular brasileira com a tradição clássica europeia, criando um universo musical único e inconfundível.

Raízes Cariocas e Alma Viajante

Nossa jornada começa no Rio de Janeiro em 1887, onde Heitor Villa-Lobos nasceu em meio a um ambiente cultural vibrante. Filho de um violoncelista amador e de uma família que amava música, Villa-Lobos demonstrou um talento excepcional desde cedo. O violão e o violoncelo se tornaram seus inseparáveis companheiros, abrindo as portas para um universo de possibilidades sonoras.

A inquietação, no entanto, pulsava em suas veias. Insatisfeito com a educação musical formal, Villa-Lobos decidiu explorar o Brasil profundo, absorvendo as melodias e ritmos das mais diversas regiões. Do batuque do samba carioca ao ritmo nordestino, passando pela energia contagiante do frevo pernambucano, cada experiência moldou sua identidade musical.

A Música como Instrumento de Educação

Villa-Lobos não se restringiu apenas à composição e regência. Ele sonhava com um Brasil onde a música fosse acessível a todos, servindo como um instrumento de educação e transformação social. Sua visão inovadora levou à criação do Orfeão dos Coros Escolares, um projeto que introduziu o canto coral nas escolas públicas, despertando o amor pela música em milhares de crianças.

Villa-Lobos acreditava que a música tinha o poder de despertar a sensibilidade, a criatividade e o senso de coletividade. Para ele, a educação musical era essencial para a formação do cidadão e para a construção de uma sociedade mais justa e igualitária.

Bachianas Brasileiras

Ao longo de sua prolífica carreira, Villa-Lobos compôs uma vasta obra que abrange desde peças para violão solo até sinfonias e óperas. As Bachianas Brasileiras é uma das obras mais conhecidas internacionalmente do compositor e são verdadeiras obras-primas.

Nas Bachianas Brasileiras, Villa-Lobos realiza um diálogo musical entre o compositor alemão Johann Sebastian Bach e a música popular brasileira. Em nove suítes, ele mescla a complexidade da música barroca com os ritmos e melodias do folclore brasileiro, criando uma obra de beleza e originalidade surpreendentes.

As Bachianas são um exemplo da capacidade de Villa-Lobos de transcender as fronteiras entre os gêneros musicais. Ele demonstra que a música popular brasileira, muitas vezes vista como “menor”, pode dialogar em pé de igualdade com a tradição erudita europeia.

Ao todo as Bachianas são compostas de nove composições. Os movimentos possuem nomes clássicos como por exemplo, Introdução, mas entre parêntesis trazem alguma palavra em português como por exemplo Embolada, na Bachianas N.o 1. Essa é uma das maneiras de Villa-Lobos envocar a cultura brasileira em sua obra.

Bachianas No. 1

No vídeo a seguir você pode ouvir as Bachianas N0. 1 interpretada pela Orquestra Filarmônica de Berlim. Esta obra possui três movimentos e foi composta para Cellos. O primeiro movimento é a Introdução (Embolada), o segundo é o Prelúdio (Modinha) e o terceiro uma Fuga (Conversa)

Bachianas No. 2

Nas Bachianas No.2 encontramos o famoso tema “O Trenzinho do Caipira”. Villa-Lobos incorpora em sua música os sons do da viagem de trem através dos instrumentos da orquestra. A chegada do trem na estação e o barulho dos freios é tocada de forma impressionante pelos violinos.

O ritmo constante e pulsante imita o som de um trem em movimento, os instrumentos de sopro, como trompetes e trombones, são usados para imitar o apito do trem. A percussão, especialmente o prato, é usada para simular o som do trem passando por trilhos e cruzamentos e as cordas são usadas para criar uma textura sonora que lembra o barulho contínuo do trem.

No vídeo a seguir você pode ouvir a obra completa interpretada pela Orquestra Filarmônica de Minas Gerais. A composição possui 4 movimentos, sendo: Prelúdio (O canto do capadócio) , Ária (O canto da nossa terra), Dança (Lembrança do sertão) e Tocata (O trenzinho do caipira).

Bachianas No. 3

As Bachianas No. 3 é um concerto para piano e orquestra, embora Villa-Lobos não tenha dado nome de concerto à obra.

A obra tem quatro movimentos: 1. Prelúdio (Ponteio) 2. Fantasia (Devaneio) 3. Ária (Modinha) 4. Toccata (Picapau). O Prelúdio (Ponteio) Este movimento é uma introdução lenta e meditativa que estabelece o tom para a peça. É caracterizado por sua melodia lírica e harmonia rica. A Fantasia (Devaneio)  é o movimento mais longo e complexo da peça. Ele apresenta uma série de variações temáticas e é marcado por sua estrutura livre e improvisada. A Ária (Modinha) é uma canção lírica e emotiva. É uma homenagem à modinha, um tipo de canção popular brasileira e a Toccata (Picapau)  é o movimento final e é caracterizado por seu ritmo rápido e energético. É uma representação musical do pássaro picapau, conhecido por seu bater rápido e repetitivo.

No vídeo a seguir você pode ouvir a Bachianas número 3 completa interpretada pela Orquestra Filarmônica Húngara.

Bachianas No.4

As Bachianas No.4 foi composta originalmente para piano. No entanto, Villa-Lobos também fez uma transcrição para orquestra em 1942. Portanto, a peça pode ser executada tanto em uma configuração solo de piano quanto em uma configuração orquestral. A versão orquestral é conhecida por sua rica instrumentação e a versão para piano destaca as convergências entre as linguagens barroca e brasileira

A obra possui quatro movimentos. São eles: 1.Prelúdio (Introdução) 2. Coral (Canto do sertão) 3. Ária (Cantiga) e 4. Dança (Miudinho).

No vídeo a seguir você pode ouvir a Bachianas número 3 completa interpretada pela Orquestra Sinfônica de São Paulo.

Bachianas No. 5

A Bachianas No. 5 foi composta para oito violoncelos e voz soprano. É uma das mais conhecidas obras de Villa-Lobos internacionamente e foi a mais gravada no Brasil e no âmbito internacional.

No vídeo a seguir você pode ouvir a Bachianas número 5 interpretada pela Orquestra Sinfônica de Berlin e na voz da soprano Anna Prohaska. Esta Bachiana possui dois movimentos escritos para 8 violoncellos e Soprano.

Primeiro Movimento (Ária/Cantilena):

  • Este movimento é caracterizado por uma melodia vocal expressiva, apoiada pela harmonia dos violoncelos.
  • A letra é um poema de Ruth Correia Leite Cardoso, que Villa-Lobos escolheu por sua beleza lírica e conexão com a natureza.
  • A prosódia do poema é cuidadosamente considerada na composição, com a melodia e o ritmo da música refletindo o fluxo natural das palavras.

Segundo Movimento (Dança/Martelo):

  • Este movimento é uma representação musical dos pássaros brasileiros, com a letra de Manuel Bandeira descrevendo várias espécies em seu habitat natural.
  • A música neste movimento é mais animada e rítmica, refletindo a energia e a diversidade da vida selvagem brasileira.
  • O maestro enfatiza a importância de conhecer e entender ambos os movimentos para apreciar plenamente a peça.

Bachianas No. 6

As Bachianas No.6 é a mais curta de todas e possuiu dois movimentos. O primeiro movimento combina choro com seresta e contraponto e o segundo movimento é descrito como mais livre e improvisatório. Ele chama o primeiro movimento de Ária (Choro) e Fantasia (Allegro).

No vídeo a seguir você pode ouvir a Bachianas número 6 completa interpretada pela Orquestra Sinfônica de Porto Alegre. Villa-Lobos brinca com elementos da musica popular brasileira e a música barroca.

Bachianas No. 7

A Bachianas No. 7 foi composta com quatro movimentos: O Prelúdio (Ponteio), a Giga (Quadrilha Caipira) , a Toccata (Desafio) e Fuga (Conversa). Vale um destaque para a palavra Giga que é uma dança irlandesa. Villa-Lobos também apresenta o segundo movimento como uma quadrilha caipira que também é uma dança. Dessa forma, ele mais uma vez conecta a cultura brasileira com o barroco.

No vídeo a seguir a Bachianas Brasileiras No.7 é interpretada pela Orquestra Sinfônica da Radio e Televisão Espanhola (RTVE).

Bachianas No. 8

As Bachianas No. 8 é dividida em 4 movimentos: Prelúdio (Adágio), Ária (Modinha), Toccata (Catira Batida) e Fuga. Mais uma vez vemos ritmos brasileiros como a Catira mostrando o nacionalismo do compositor.

Bachianas Brasileiras No. 8, possui três movimentos: Ária, Toccata (Catira Batida) e Fuga. No vídeo a seguir você pode ouví-la interpretada pela Orquestra Jovem de Madrid.

Bachianas No. 9

A Bachianas Brasileira No. 9 possui dois movimentos, sendo um Prelúdio (Vagaroso e Místico) e uma Fuga (Pouco Apressado). No vídeo a seguir você pode ouvir as Bachianas No.9 interpretada pela Orquestra Filarmônica de Fresno.

Choros: A Alma do Brasil em Movimento 

Os Choros são uma série de composições que exploram a diversidade rítmica e instrumental da música brasileira. Do solo de violão ao conjunto de câmara, os Choros capturam a essência do choro, um gênero musical tipicamente brasileiro que combina elementos de música europeia, africana e indígena.

Cada choro é um universo em si, com suas particularidades e sua energia contagiante. Em conjunto, eles formam um painel vibrante da cultura brasileira, uma celebração da improvisação, da virtuosidade e da alegria de fazer música.

Heitor Villa-Lobos, o famoso compositor brasileiro, compôs uma série de 14 obras chamadas “Choros”. No entanto, duas dessas obras foram perdidas. Portanto, atualmente, temos 12 “Choros” de Villa-Lobos disponíveis. Essas obras foram compostas entre 1920 e 1929. Cada “Choro” é único e apresenta uma variedade de estilos musicais.

Choro No.1 : Violão

Villa-Lobos compôs choros para vários instrumentos. O Choro No.1, por exemplo foi composto para violão. O vídeo a seguir mostra esta obra interpretada por Julian Bream.

Choro No.2 : Flauta e Clarinete

Já o choro No.2 foi composto para flauta e clarinete. O vídeo a seguir mostra a obra interpretada por Marcelo Bomfim e Cristiano Alves.

A Seguir mostramos uma lista de todos os choros compostos por Villa-Lobos com os respectivos instrumentos para os quais foram compostos:

Lista dos Choros

  1. Choro nº 1: Violão
  2. Choro nº 2: Flauta e clarinete
  3. Choro nº 3 (“Pica-pau”): Coro masculino ou sete instrumentos de sopro, ou ambos juntos
  4. Choro nº 4: Três trompas e trombone
  5. Choro nº 5 (“Alma brasileira”): Piano
  6. Choro nº 6: Orquestra
  7. Choro nº 7 (“Settimino”): Flauta, oboé, clarinete, saxofone, fagote, violino, violoncelo, com o tam-tam ad lib
  8. Choro nº 8: Orquestra com 2 pianos
  9. Choro nº 9: Orquestra
  10. Choro nº 10 (“Rasga o coração”): Coro e orquestra
  11. Choro nº 11: Piano e orquestra
  12. Choro nº 12: Orquestra
  13. Choro nº 13: Duas orquestras e bandas (agora perdido)
  14. Choro nº 14: Orquestra, banda e coro (agora perdido)

O Legado de Villa-Lobos: Uma Sinfonia Inacabada

Heitor Villa-Lobos faleceu em 1959, deixando para trás um legado musical inestimável. Sua obra continua a inspirar gerações de músicos e compositores, dentro e fora do Brasil. Sua visão de uma música brasileira universal, que dialoga com o mundo sem perder suas raízes, permanece atual e inspiradora.

Villa-Lobos nos ensinou que a música é um instrumento poderoso de expressão, educação e transformação social. Ele nos mostrou que a riqueza cultural do Brasil é um tesouro a ser explorado e compartilhado com o mundo. Sua música é uma sinfonia inacabada, um convite para continuarmos a construir um país mais justo, mais humano, mais musical.

Como Explorar o Universo Sonoro de Villa-Lobos? 

Se você deseja se aventurar pelo universo sonoro de Villa-Lobos, aqui está uma lista de suas composições:

Heitor Villa-Lobos foi um prolífico compositor brasileiro, e suas obras abrangem uma variedade de gêneros. Aqui estão algumas de suas composições mais notáveis:

Choros:

  • Introdução aos Choros, para violão e orquestra (1929)
  • Choro Nº 1 para violão (1920)
  • Choro Nº 2 para flauta e clarinete (1924)
  • Choro Nº 3 “Pica-páo” (Pica-pau) para clarinete, fagote, saxofone, 3 trompas e trombone, ou para coro masculino, ou os dois juntos (1925)
  • Choro Nº 4 para 3 trompas e trombone (1926)
  • Choro Nº 5 para piano (1925) “Alma brasileira”
  • Choro Nº 6 para orquestra (1926)
  • Choro Nº 7 “Settimino” para flauta, oboé, clarinete, saxofone, fagote, violino, violoncelo, com o tam-tam ad lib. (1924)
  • Choro Nº 8, para orquestra com 2 pianos (1925)
  • Choro Nº 9, para orquestra (1929)
  • Choro Nº 10 para coro e orquestra (1926) “Rasga o coração”
  • Choro Nº 11 para piano e orquestra (1928)
  • Choro Nº 12, para orquestra (1929)
  • Choro Nº 13 para 2 orquestras e bandas (1929) agora perdido
  • Choro Nº 14 para orquestra, banda e coro (1928) agora perdido
  • Choro bis, para violino e violoncelo (1928-29)
  • Quinteto (em forma de choros) para flauta, oboé, trompa, clarinete e fagote (1928); arr. flauta, oboé, clarinete, trompa, fagote (1951)

Bachianas Brasileiras:

  • N° 1 para pelo menos 8 violoncelos (1930-38)
  • Nº 2 para orquestra (1930)
  • Nº 3 para piano e orquestra (1938)
  • Nº 4 para piano (1941)
  • Nº 5 para voz e, pelo menos, 8 violoncelos (1945)
  • Nº 6 para flauta e fagote (1938)
  • Nº 7 para orquestra (1942)
  • Nº 8 para orquestra (1944)
  • Nº 9, para coro ou orquestra de cordas (1945)

Concertos:

  • Suíte para piano e orquestra (1913)
  • Concerto nº 1 para violoncelo e orquestra (1915)
  • Fantasia em movimentos mistos para violino e orquestra (1921)
  • O Martírio dos Insetos para violino e orquestra (1925)
  • Momoprecoce, Fantasia para piano e orquestra (1929) ou banda (1931)
  • Ciranda das Sete Notas para fagote e orquestra de cordas (1933)
  • Concerto nº 1 para piano e orquestra (1945)
  • Concerto nº 2 para piano e orquestra (1948)
  • Fantasia para saxofone soprano, três trompas e cordas (1948)
  • Concerto para violão e orquestra Fantasia Concertante (1951), para Andrés Segovia
  • Concerto nº 3 para piano e orquestra (1957)
  • Concerto nº 4 para piano e orquestra (1952)
  • Concerto para harpa e orquestra (1953), para Zabaleta
  • Concerto nº 2 para violoncelo e orquestra (1953)

Outras composições notáveis incluem “Cair da tarde”, “Evocação”, “Melodia sentimental”, “Miudinho”, “O Canto do Uirapuru”, “Quadrilha”, “Descobrimento do Brasil”, “Cantinela”, “A floresta do Amazonas”, “Melodia Sentimental”, “Uirapuru”, “Rudepôema”.

Explore, experimente, descubra! A música de Villa-Lobos é uma porta de entrada para um mundo de beleza, emoção e descobertas.

A Magia do Bandolim: Origem e História deste fascinante Instrumento.

A música é uma linguagem universal que transcende fronteiras e culturas, e um dos instrumentos que tem contribuído para essa conexão universal é o bandolim. Neste post, vamos explorar a rica história e as nuances deste fascinante instrumento de cordas, mergulhando na sua evolução, influência cultural e musical, e sua relevância na cena musical contemporânea.

Raízes Históricas do Bandolim

O bandolim, como muitos outros instrumentos musicais, tem raízes históricas profundas que remontam a séculos atrás. Suas origens estão ligadas aos períodos medieval e renascentista, quando começou a se destacar como um instrumento versátil e encantador. No entanto, sua primeira aparição oficial ocorreu no sul da Itália, na primeira metade do século XVII.

Inicialmente, o bandolim era utilizado para a execução de música popular e, em especial, na música folclórica napolitana. O sul da Itália era o berço dessa tradição musical única, e o bandolim desempenhou um papel central na criação e transmissão dessas melodias cativantes.

A Diversidade de Bandolins

Uma característica fascinante do bandolim é sua diversidade. Na sua forma inicial, havia uma rica variedade de bandolins, cada um com diferentes formas e números de cordas. A diversidade era tão ampla que, somente na metade do século XVIII, houve uma padronização da forma clássica do bandolim em formato de gota. Essa padronização foi enriquecida pelo trabalho da família Vinaccia, uma família de luthiers que soube valorizar e aprimorar o instrumento.

O bandolim é usualmente tocado como instrumento solista, desempenhando a voz de soprano num conjunto de instrumentos que inclui também na mesma família a Bandoleta (alto), a Bandola (tenor), o Bandocello ou Bandoloncello (baixo) e, por fim, a Bandolineta (sopranino).

O Bandolim da Música Clássica à Modernidade

O bandolim napolitano, com sua afinação que respeitava a do violino, atraiu a atenção de compositores clássicos renomados, como Vivaldi, Mozart e até mesmo Beethoven. Esses grandes nomes da música erudita viam no bandolim um instrumento capaz de enriquecer suas obras com seu som distintivo.

Embora tenha suas raízes na Itália, o bandolim ganhou popularidade internacional ao longo dos anos. Em países como Japão e Coreia do Sul, o instrumento tem uma base de fãs dedicada. Nos Estados Unidos, o bandolim também encontrou seu lugar, principalmente devido à grande migração italiana para o país. A facilidade de transporte e o som cativante do instrumento contribuíram para sua popularização nos Estados Unidos.

Uma curiosidade interessante é que Orville Gibson, o fundador da famosa marca de guitarras elétricas Gibson, começou sua carreira na fabricação de bandolins. Ele adaptou o design do bandolim para torná-lo mais parecido com violinos, levando em consideração a afinação semelhante. Isso resultou em um instrumento com um som um pouco menos picante, mais próximo do som de uma pequena guitarra acústica.

A Afinação do Bandolim e suas Características Únicas

Uma das peculiaridades do bandolim é sua afinação, que se assemelha à do violino. O bandolim tem oito cordas agrupadas em pares, chamados de coros, afinados em quintas. Começando da corda mais aguda, temos Mi-La-Ré-Sol. Essa afinação contribui para a sonoridade única do instrumento e na grande maioria das composições é tocado com palheta.

Além disso, a forma do bandolim apresenta uma característica distintiva: uma curva suave na tábua harmônica. Essa curva exerce tensão nas fibras da madeira, conferindo ao instrumento o característico som brilhante e picante, conhecido como “piccante” pelos mestres da luteria napolitana.

A Fascinante História da Família Calace

A história da família Calace é um exemplo cativante da ligação entre o bandolim e a cultura italiana. Com mais de 190 anos de tradição na fabricação de bandolins, essa família de luthiers tem uma história incrível. Tudo começou com Raffaele Calace (1863 – 1934), que foi um músico, compositor e fabricante de bandolins. Nasceu em Nápoles, Itália, filho de Antonio Calace, um renomado fabricante de instrumentos. Ele começou a estudar música, descobriu o bandolim e logo se destacou. Depois de se formar com honras no Regio Conservatorio di Musica em Nápoles, ele se propôs a elevar o lugar do bandolim na música.

Raffaele Calace escreveu cerca de 200 composições para bandolim. Estas incluem obras de concerto, solos e composições para bandolim e outros instrumentos — duetos com piano, combinações de trio com mandola e violão, o Quarteto Romântico de Bandolim (dois bandolins, mandola e violão) e quintetos.

Calace também escreveu obras pedagógicas, incluindo um método de bandolim, Schule für Mandoline, que foi publicado em 1910.

Raffaele Calace e seu irmão Nicola Calace (1859-1923), também músico, tornaram-se fabricantes de instrumentos da família do bandolim napolitano. Eles introduziram melhorias nas técnicas de construção e modernizaram o bandolim napolitano.

Quando Nicola Calace mudou-se para os Estados Unidos em 1898, Raffaele continuou a oficina Calace com sua filha Maria (também bandolinista) e seu filho Giuseppe Calace. Hoje o Ateliê Calace é dirigido pelo neto de Calace, Raffaele Jr.

O Bandolim Além dos Estereótipos

Embora o bandolim seja muitas vezes associado à música folclórica napolitana, ele tem uma versatilidade que transcende fronteiras musicais. Além de sua presença marcante na música folclórica irlandesa, o bandolim também é usado no bluegrass, no country e até mesmo em alguns gêneros de música rock. O Led Zeppelin, por exemplo, incorporou o bandolim em algumas de suas músicas, demonstrando a capacidade do instrumento de se adaptar a diferentes estilos musicais.

Uma das características mais notáveis do bandolim é sua versatilidade. Embora muitas vezes seja associado a gêneros específicos, como a música folclórica napolitana, o instrumento possui uma variedade de variações e evoluções ao longo de sua história. Desde o bandolim napolitano até o bandolim acústico e elétrico, cada variação tem seu próprio charme e apelo musical.

O bandolim em Portugal

O bandolim em Portugal sofreu alterações na caixa harmônica, que ficou com formato de pêra e o fundo quase plano. Já no Brasil o bandolim possui a caixa acústica com o formato similar ao da guitarra portuguesa, utilizada principalmente nos fados.

O bandolim já foi a estrela dos salões elegantes do século XIX em Portugal, encontrou seu auge nas tunas do início do século XX, tornando-se um instrumento popular. As tunas e as filarmónicas desempenharam um papel crucial no ensino da música às classes populares, inclusive para aqueles que eram analfabetos, mas que aprendiam a linguagem da música.

No entanto, durante o período do Estado Novo, regime autoritário que vigorou de 1933 a 1974, o bandolim perdeu parte de sua influência. Apesar disso, o instrumento continuou a ser tocado em aldeias portuguesas durante festas, romarias, fogueiras e folguedos populares.

Na década de 1980, o bandolim português experimentou um renascimento graças aos Grupos Etnográficos, às Tunas Académicas e aos Grupos de Música Tradicional. Esses grupos recuperaram os sons tradicionais do bandolim e os construtores de instrumentos retomaram as antigas técnicas de construção.

O Bandolim no Brasil: Das Origens Européias à Roda de Choro

O bandolim chegou ao Brasil durante o período colonial, trazido pelos colonizadores europeus, principalmente portugueses e italianos.

O choro é um gênero musical genuinamente brasileiro e desempenhou um papel fundamental na incorporação do bandolim na cena musical do Brasil. As rodas de choro eram encontros informais de músicos que se reuniam para tocar e improvisar, teve um papel importante por propiciar o ambiente perfeito para o bandolim se destacar.

Assim, o bandolim conquistou os músicos e o público com sua capacidade de expressar emoções e narrar histórias por meio de sua sonoridade encantadora. Grandes talentos do bandolim, como Jacob do Bandolim, Luperce Miranda e Pixinguinha, contribuíram para a popularização do instrumento nas rodas de choro e, consequentemente, para sua consolidação como parte intrínseca da cultura musical brasileira.

A Evolução do Bandolim no Brasil

À medida que o choro ganhava destaque, o bandolim também se desenvolvia e se adaptava às necessidades dos músicos. Um exemplo notável disso é o bandolim brasileiro de 10 cordas, com sua afinação peculiar, que oferece um alcance tonal maior e uma sonoridade distinta. Isso permitiu que os músicos explorassem novas possibilidades musicais e elevassem o bandolim a um patamar ainda mais alto. A origem do bandolim de dez cordas é bastante atual, quando o músico Hamilton de Holanda, por volta do ano 2000, pediu a Virgílio Lima, luthier de Sabará, Minas Gerais, que lhe fizesse um instrumento com um par de cordas mais graves, para afinar em Dó.

O Bandolim nos Dias de Hoje

Atualmente, o bandolim continua a desempenhar um papel significativo na música brasileira. É um instrumento presente em uma variedade de gêneros musicais, indo além do choro. Artistas contemporâneos, como Hamilton de Holanda e Danilo Brito, estão redefinindo os limites do instrumento e demonstrando sua versatilidade em contextos que vão desde o jazz até o pop.

Além disso, festivais de bandolim e escolas de música dedicadas ao instrumento têm surgido pelo Brasil, proporcionando um espaço para novos talentos e promovendo a continuidade da tradição do bandolim.

Onde Encontrar Partituras e Tablaturas para Bandolim?

Há diversas alternativas para buscar partituras que podem ser usadas para tocar ao bandolim. Um exemplo é a publicação O melhor do Choro Brasileiro em três volumes disponível na Amazon.

Se você quer partituras com tablaturas, dê uma olhada no canal do YouTube Mandolin Tabs 4 You. O canal traz vídeos de músicas que vão do clássico ao pop passando pelo sacro e trilhas de filmes. Na descrição você encontra o link para comparar a partitura com a tablatura inclusa. Ao trazer arranjos para música popular e contemporânea, este canal desmistifica o fato de que o bandolim é um instrumento para tocar apenas música clássica, tarantelas e choros. Na verdade, qualquer arranjo bem elaborado e bem executado pode e deve ser executado no bandolim.

Para Saber Mais

Il Mandolino- YouTube Video

Casa do Choro – Site

Wikipedia- Raffaele Calace

Jacob do Bandolim- Acervo

Vionaccia Mandolins & History